看看这位日本艺术家用代码创造的极简动图

不知不觉间,我们的生活方式已经被互联网和数字化技术逐渐改变。从无处不在的移动支付共享经济,数字化的力量无处不在。 在艺术界,艺术家们当然也在探讨着数码艺术与数字设计的更多可能。此前国内多个城市引起热潮的teamLab展览,同样是在尝试将艺术与技术结合,让一群人们印象中的“Nerd”,去打造美和梦幻的艺术作品。

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今天要介绍的日本艺术家Shohei Fujimoto就是teamLab团队的一员,他的创作工具不是画笔,也不是Photoshop或Illustrator,而是一个名为openFrameworks的C++开源框架。 抽象、极简、黑与白,他的作品一如他所使用的创作工具,显示出艺术理性而又充满逻辑的一面。

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这组动图以日常生活和大自然中的现象为蓝本,用算法为它们建立起新的规则,去除现实世界中冗杂繁复的部分,只用线条和圆点作为基础,塑造出位于数字世界的“平行宇宙”。虽然动图中的图案循环往复,重复出现,但其中大量的细节和规整的美感,让人感觉能盯着一张图片看上一整天!

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除了创作平面作品,Shohei还是一位装置艺术家,他的作品曾在东京及全世界展览。不论是在三维立体空间还是二维平面的创作,他一直坚持化繁为简,游走在数字与艺术边缘,不断做出新的尝试。

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我们和这位有着强大理科大脑的艺术家聊了聊。

THE PLUS:和我们说说这一系列背后的理念吧。
Shohei Fujimoto:
这些图像其实就来自生活中的现象,只是经过了极简的转化。通过抓取关键视觉信息并以平面展示之后,观众们能够注意到更多细节;就像看到放大镜下的昆虫一样,也许会有新的发现。

TP:你对极简美学有什么看法?
SF:
我认为极简的概念和编写运算规则有很多相似之处,都要去寻找最关键的部分以及有共性的部分。同时,去除不必要的部分可以腾出新的空间,不论是虚拟空间还是实体空间。在平面和装置艺术创作中,对空间的控制和利用是非常重要的。

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TP:你的作品中有时也会有音乐元素出现,你是如何将听觉与视觉进行搭配的?
SF:
除了视觉,声音也是非常有力的媒介,两者搭配起来可以起到一加一大于二的效果。换句话说,就是声效可以让视觉体验更丰富。一般我会选择简单的音乐来搭配作品,毕竟重点还是要放在GIF图片上,不过肯定是要确保声音和图片的组合是合适的。另外,也要保证作品具备一定的真实感。

TP:为什么在这个系列中只用了黑白两种颜色?
SF:
不论是做装置作品还是平面作品,我选择颜色的标准就是简单,并且能够配合作品传递出两个要素——“动态”和“活力”。黑色和白色就像是计算机语言中的0和1,我认为这两种颜色是最好控制,也最能向观众传达两个要素的。

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TP:你认为重复的魅力是什么?
SF:
我本身就很喜欢看不断重复的图案,怎么看都看不厌。这种感觉就像是看着起伏的海浪,或者蚂蚁搬家一样。虽然不知道为什么喜欢盯着它们看,但喜欢看重复图案的人应该很多。想要创造出循环往复的图案,就需要一个持续运作的算法,写出这个算法后电脑就能生成视觉化的图像,像大自然的自主运转一样,并且会产生意想不到的效果。

TP:这些动图的灵感来源于哪里?
SF:
日常生活中的自然现象和光线变换都会带来灵感,把这些碎片集合起来就成了大家看到的动图。开始创作之前,我通常会先想想怎样表达更有趣,有哪些算法能实现脑海中的想法。有时也会利用过往作品中的元素。

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TP:你的装置作品和动图作品创作有什么共同点和不同点?
SF:
创作这两种作品时的感觉是相同的,不同的是,我创作装置作品的目标是打造出一个浸没式空间,这是平面作品无法到达的状态。我在Instagram上发布的很多作品实际上就是我想做的装置概念,不过现实中有太多的限制,比如预算不足、场地问题、设备问题、电力问题和安装问题等等。而平面作品相比较而言就少了很多限制,非常灵活自由,允许我尝试扩展各种各样的视觉效果。

TP:说说你的创作过程吧,喜欢制定详细的计划,还是边做边尝试?
SF:
我的创作中有太多新的尝试了,一旦作品和预期有所偏差,就要开始不停的尝试、犯错、再尝试,逐渐调整,最终得到满意的结果。还有时候会有新的灵感产生,这时候也需要改变方向。在Instagram上的发布的图片就是我的思考过程。

TP:接下来的计划?
SF:
今年夏天计划用镭射光打造一个新的装置艺术作品,会是全新的系列——“power of one #surface”。

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