从纯黑白的视角中看美国

公路摄影是永恒的经典艺术门类。它高度提炼了私人旅行过程中的精彩,让即使是最个人化的图片也能使观者感觉像是一个他们自己人生中的失落瞬间与凝固快照。Olivier Boonjing,摄影师兼电影摄影师,在过去有着一系列专题、平面和电视拍摄的经验,通过其最近的摄影集《USA Monochrome(单色美国)》系列,他将带我们走进他穿越美国的旅途。

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Oliver使用了黑白色调强调了道路的无穷无尽,抓拍了许多冷清的美国城市与郊区生活的瞬间。他的这些摄影全然不是一种对失落的美国梦的哀悼,而只是很宽和地、平静地记录那些曾被忽视又落寞消逝的瞬间。

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TP: 你可以跟我们再多聊聊这些图片背后的旅程吗?
OB:
很多年前,我在上网时发现了一个由美国导演Mike Ambs 发起的纪录片计划,叫作“For Thousands of mile(千里以外)”(在http://ftomfilm.com免费观看)。这个计划是关于一个叫Larry的人骑行从东向西横穿美国。通过两个朋友我们联系上了Mike并想要帮他做这个计划。几个月以后,我们就到了洛杉矶,在那里跳上一辆拍摄车,接着就开始了我们的整个旅程。

这不是我第一次到美国,但与我之前的经历相比,这次给我的感受十分不同。我感到我好像在从窗帘里偷窥传说中的美国梦。我们为纪录片拍摄了许多的照片,但是很多我们看到的事物并不与之相配,所以我就开始拍摄平面照片了。

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TP: 《Instant USA(瞬间美国)》是另一部公路摄影,和(《 单色美国》)之间这二者有什么联系吗?
OB:
《Instant USA(瞬间美国)》也是在同一段旅途中拍摄的。我一直保证随身带着一个拍立得,因为有了它不仅能够拍摄还能看到拍出来的实物。这是一个能够让你同旅途中所遇之人进行交流并保存下一部影像记录的绝佳工具。我喜欢它的着色和画面失真的方式,我觉得它捕捉的不仅仅是图片,更多的是心境。这个系列某种程度上也表现了很多我的个人旅程:洛杉矶,去程与归来。

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TP: 你在这个系列中的收录的图片很多都是广角,这是为什么呢?
OB:
我更相对喜欢全景照片呈现出的环境。在整个公路旅途中,我一直感觉自己像个外来者,我经常从很远的地方观察事物。全景照片似乎能最好地代表我的心境。而我选择纯黑白的影片则是因为我感到在褪去了颜色以后,将会让我更加容易地去创造图片之间对比与结构上的联系。我使用的便携相机有着固定镜头,并且我也很喜欢它的这种限制。

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TP:你觉得静态摄影有哪些电影拍摄中不可比拟的地方?
OB:
当我是一个电影拍摄者时,我主要抓拍的是人物和他们的动态。对我来说这全部是关于动作的东西,就像舞蹈一样。图像摄影则只让我关注一个固定元素。它可以是一种空间,一个实物,一张面孔…那些在时间中凝固了的东西。所以在电影拍摄(剪辑)中,是由导演去掌控一个序列中你会看到多少图像,但静态摄影,观者则来控制这一切。很多时候当你长时间凝视一张图片(油画或者雕塑)时,你可能会产生有一种奇妙的感觉,这种凝视其实也是冥思的一种方式。

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拍摄电影是一项团队工作,一整组人一起朝着一个目标努力。我很喜欢这个过程,它完全是一个沟通的过程,但有时也会非常混乱。正如某人所说,拍电影是在战场上吟唱诗歌。静态摄影对我来说则更孤独一些。我将之赋予在个人的漫步之中,这是一种非常平静的内心体验。我想这两种工作的结合也使我保持了自身的一种平衡。

我也很喜欢哲学家马克奥格所说的”虚无场所“这个概念。那些非私人的地方,比如火车站,机场,服务区…这些地方是像Edward Hopper这种画家所喜欢的。而摄影则是一种很好地探索这些场合的工具。我目前还没找到一种将动态融入的方式,但我会一直找寻。

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TP: 你的作品似乎是叙事主导的,这么说是否得当?什么类型的叙事会吸引你?
OB:
没错,我觉得这么说很准确。当我拍到一些很棒的演员的演出时通常我都会非常地高兴。我喜欢他们与相机之间的舞蹈。某种程度上我也很幸运地成为了他们的第一批观众。因此我喜欢叙事主导的人物,相机不仅是要拍摄下他们的动作和对话,同时也要记录下他们的想法和潜台词。因此我拍摄了很多看起来也许不那么美丽但让人感到很真实的照片。

这即是说我依然认为拍摄很多杂七杂八的东西非常重要。因为你一旦走出了你的安全区,你会不停地学到东西。如果脚本很棒的话,我对任何类型的电影都来者不拒。

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